達哥的部落格

記得當年「寄生上流」在奧斯卡奪得最佳影片、最佳外語片與最佳原創劇本之際，除了對導演奉俊昊的才華感到敬佩外，就是影藝學院對參賽作品喜好的轉換感到驚訝了，最佳影片通常都是好萊塢電影的天下，從前這類的外語電影能夠獲得最佳外語片就是很了不起的成就了，但那次卻破天荒的讓「寄生上流」得到最高榮譽，相較於過往都是將這類大獎頒發給美國電影，能讓文化差異頗大的亞洲電影獲得最佳電影真的是前所未見的情況，除了本片的確夠突出以外，也不禁佩服好萊塢包容多元文化的氣度。

讓我有點訝異的是，原本以為獲得大獎後成為當紅炸子雞的奉俊昊會馬上開拍新片，沒想到卻是隔了幾年的時間才推出了這部「米奇17號」，記得之前看過他所導的「末日列車」，是他第一部以英文發音的科幻電影，以未來世界為背景講述人類面臨末日危機時在超長列車上生存的故事，表面上是科幻故事，實際上卻藉由許多情節來描述現實世界的殘酷與現實，直到最後才恍然大悟，故事中引發列車上人類的自相殘殺在某種程度上也算是必要之惡的概念，讓當時的我心中也留下了難以抹滅的印象，而這次的「米奇17號」同樣也是以未來世界為背景，同樣也參雜了許多導演過往作品中諷刺社會現象與黑色幽默的風格，有著比「末日列車」更加龐大細緻的佈景與視覺效果，但作為一部備受矚目的商業電影，在娛樂效果上卻似乎不在普遍觀眾的預期中...

我個人其實挺喜歡片中主角身為「消耗工」的設定，為了開拓外太空未知的環境，需要這樣的人員擔任第一線冒險的工作，也因為過於危險造成極高的死亡率，故事中有複製與列印人體的機器，讓消耗工得以不斷重生進行這樣的危險工作，某種程度算是長生不老的概念，只是必須用非常可怕與痛苦的代價換取這樣不斷重生的機會，而導演奉俊昊從這樣的設定中，一方面反映社會中底層民眾面對困境時鋌而走險的無奈，一方面諷刺資本家貪生怕死外總是佔盡各種好處的心態，還有社會中因貧富差距造成許多令人啼笑皆非的鳥事，皆在故事裡的太空船中不斷發生，也是這部電影讓我覺得非常有趣的地方。

而在穿插了許多黑色幽默的故事中，比較可惜的是節奏的安排上實在有些零散，在兩個多小時的片長中，有時候不太容易找到故事的主軸在哪，裏頭有許多概念巧妙的劇情，像是主角的感情線，與損友間的利益糾葛，面對頂頭上司的欺壓，艦隊高層貪婪又愚蠢的想法，人體列印對人類價值觀上的衝擊.....感覺奉俊昊很想將許多想法在這部電影中一次呈現，但卻又略顯貪心，反倒有點失焦，搞到最後人類面對外星生物包圍時的懸疑性與緊張感略顯不足，對比前陣子的「異形：羅穆路斯」，相對單純且直接的劇情，所營造出的戲劇張力遠遠勝過本片，雖然類型大不同，但同樣都是以科幻為題材的電影，擁有更高製作成本的「米奇17號」在觀眾眼中的娛樂效果顯然是不太及格的，也許奉俊昊不想將這部電影拍成一部單純的商業片吧...

在電影的後段，人類面對外星生物伏蟲時的場景，讓我想起了風之谷中王蟲的模樣，不管是外型或是故事設定的概念，特別是最後人類面對伏蟲包圍的場景，真的很難不讓人與這部經典動畫產生聯想，也得以見得「風之谷」在電影界的地位，不過「米奇17號」中的伏蟲大軍倒是沒有像王蟲那般充滿驚人的壓迫感，除了尺寸小了許多以外，連攻擊性也不似王蟲那樣嚇人，對比同日上映的風之谷，也算是某種有趣的巧合呢。

“好久沒有看到這麼棒的皮克斯電影了”，在觀看腦筋急轉彎2的當下，心中各種情緒小角色不自覺的發出這樣的讚嘆，自疫情以來，光看票房表現就知道，這幾年皮克斯所出產的電影並不如過去那般廣受好評，加上迪士尼近年品質下滑程度，讓人不禁擔心皮克斯是否也跟著影響，讓過去引以為傲的獨創性與驚人創意是否跟著一去不復返，而幸好「腦筋急轉彎2」並未讓觀眾失望，除了再次展現皮克斯引以為傲的驚人創意外，緊湊劇情中各種溫馨感人的情節設定，精彩程度可說是今年各大商業電影中的翹楚，成為今年破紀錄的票房之作可完全不意外。

在「腦筋急轉彎」中所出現的五個情緒角色：樂樂、憂憂、怒怒、驚驚、厭厭，作為片中主人翁萊莉在腦中所出現的情緒基底，而續集中步入青春期的她，在劇情設定中增加了焦焦、羞羞、倦倦、慕慕四種情緒，很有趣的是這些角色在電影裡都在非常短的時間內突然出現，有如日常生活中的小女生邁入青春期時突然鬧情緒那樣讓人不知所措，而在這其中最搶眼的就是代表焦慮情緒的焦焦了，由於萊莉進入中學階段面臨無法與好友相隨，而在訓練營又得適應全新環境與不同的隊友，還有力求表現給自己的壓力，雖然在片中焦焦就像一個大魔王般的存在，處處阻饒樂樂這些既有角色，但她所展現的情緒表現我倒是很能體會，面對未知事物的不安，想要力求表現但卻力不從心的無奈，還有自我要求的緊張感，回想過去的成長過程，在電影中每個時刻都能深刻體會萊莉的處境，看到那焦焦最後近乎發狂的模樣，心中其實對這個將整個腦中世界鬧到天翻地覆的角色其實頗有共感的。

在寫這篇文章前，還特地去看了一下之前自己寫的第一集心得，想到當初在看「腦筋急轉彎」時，曾經遇到小孩在氣氛正感人的時候發出惱人的笑聲，打斷了醞釀已久的情緒令我相當火大，也因此在觀看「腦筋急轉彎2」的時候，特地等到熱潮減退後再去觀看，雖然依舊有小朋友在場，但數量可是遠遠不如當時看「腦筋急轉彎」的狀況，也因此獲得了極滿意的觀看體驗，也不知道是不是年紀大了，對許多事情特別有感觸的緣故，從電影剛開始提到萊莉與親友的互動與生活中的點點滴滴，我心中就有種莫名的感動，那些畫面就彷彿重映當初自己曾遇到過的情境，既有快樂也有苦澀，當看到電影最後萊莉內心的防線因愧疚而崩潰時，真的讓我揪心不已，內心的情緒小角色似乎也在大喊著：「我懂我懂，我完全能體會萊莉的感受」，同時也不禁好奇在場的小朋友心中會有什麼樣的感受，因為這根本是拍給大人看的電影，只有經過各種人情世故的大人們才能深刻感受到片中所提及的情境啊！

片中萊莉在青少年時期所面臨的種種困境與壓力，如實的反映出了許多人在青少年時期所體會過的經歷，也是本片最重要的主軸，在外在環境的刺激與身體受到賀爾蒙催化的影響下，所衍生出的情緒變化顯然遠遠超過原本的步調，劇中新增的三個情緒角色出現的看似突兀卻也頗為貼近現實的情況，還記得在國高中時期，面對到的人際關係與課業壓力遠遠超過國小時期，而在社會氛圍的期待下，若不跟著改變是很難適應當下環境的，而隨之而來的焦慮也開始影響自己的身心，如同萊莉一樣做些違背自己本性的事，而本片也相當高明的不將劇情導向常見的快樂結局，像是萊莉最後克服難關成為贏家，以及擁抱全新的人際關係之類的，反而是擁抱無數的挫折，將這些苦澀的經歷變成自身性格的一部分，也正是所謂的成長，既感人且不落於俗套，不得不佩服編劇們的巧思，劇中各種針對大腦神經中樞處理情感的巧妙安排，幾乎是讓各年齡層觀眾認識人類大腦機制的絕佳示範，也不禁想著，如果再有接下來的續集將會如何安排接下來的劇情，更多人類的情緒出現會如何影響這部電影呢？想想許多人國高中可能經歷過的事情，我想這個系列電影的美好經驗停留在第二集可能對所有觀眾與編劇會比較好吧.....

香港電影在近年來由於人才資金都逐漸往中國靠攏，許多大型商業片除了畫面以外，在劇情與創意上早已不復當年全盛時期的耀眼，不僅少了過去獨有的港式幽默，也不見對於各種社會現象的冷嘲熱諷，在2019年香港反送中事件後，那一部又一部以香港警察為主角的警匪動作片也看來格外荒謬，在這樣的環境下看到「年少日記」這樣獨特且具濃厚人文氣息的香港電影真的是讓我非常驚喜，本片不光是拍出了香港本地的社會現象，也反映出華人世界中「萬般皆下品唯有讀書高」的根深蒂固傳統觀念，相信這故事也能讓香港外不少華人觀眾深有所感。

故事開頭是在某所學校內無意間發現一封遺書，老師們根據遺書的內容尋找試圖輕生的學生，而主角鄭老師也因為這起事件回想起童年時期的經歷與往事，當電影進行到鄭老師過往的回憶時，畫面轉到一位可愛活潑的小男孩有傑身上，相較弟弟的多才多藝與品學兼優，有傑很明顯的不像弟弟那樣聰明，課業成績常常跟不上外，就連彈鋼琴的才藝能力也是遠遠不及弟弟，在唯有讀書高觀念的父母眼中，有傑的存在顯得像是多餘的拖油瓶，也是家庭中最沒有話語權的成員，一旦考試成績不理想便會遭受父母極嚴厲的教訓與體罰，從現今教育環境的角度來看這樣的故事，也許不少小學生都很難理解這樣的情況，但對我們這種跟片中同時代的人而言倒是見怪不怪，也因此看完整部電影後，那令人不快的感受始終揮散不去，某個程度上也算是反映我們這年代的人們心中所困惑的部分吧。

「年少日記」的部分故事內容是改編自編導卓亦謙的親身經歷，多年前好友的離世是他創作本片的動力之一，對於青少年自殺的議題也是這個故事所探討的重點，即使在當今的時代裡，還是有不少人（特別是上個世代的人）對於憂鬱症或是自殺還是會有想太多，或是日子過得太輕鬆這樣的觀念，而在本片中以有傑視角來體會他所面臨困境時，相信不少觀眾都能感同身受，在學校時學習成績跟不上同學的挫折，回到家中父母所給予的龐大壓力，面對兄弟遠遠優於自己的難堪，自己的興趣喜好被剝奪的巨大失落，還有父親最後一刻形同放棄的情緒崩潰，讓他對於人生再也不抱任何期待而導致輕生的悲劇，相信許多觀眾對劇中讓有傑受挫的每一個環節都曾經聽聞或經歷過，如果連觀眾都能透過螢幕體會到有傑對於人生感到無力而崩潰的感受，那身歷其境的人們想必更加難受，而這樣的難受在講求許多講求娛樂效果的香港電影中顯得特別突兀卻也獨樹一幟，真誠地反映出許多觀眾可能都有的人生經驗，也讓不以賣座為訴求的本片在2023年意外地成為香港本地的票房大黑馬，獲得許多觀眾的共鳴外也獲得當地電影年度票房第二的出色成績。

還記得國中時期的數學老師同時也是第一任班導師，是我人生中遇過最接近片中鄭中基所飾演的爸爸形象的人，除了萬般皆下品唯有讀書高的觀念外，也一樣會體罰成績不好的同學，還記得以前上課時只要老師抽問的題目答錯就會面臨他的毒打，也會以言語羞辱成績不好的同學，整天將認真讀書才能成功賺大錢，成績不好就什麼都不是的價值觀灌輸給我們，所刻意營造的高壓氛圍讓班上同學上數學課時都感到極為痛苦，以當今的標準來看根本就是個不適任教師，但在當時卻是不少家長口中的優良教師，原因就在於他的打罵教育的確能有效提升學生的數學成績，還記得我們班在某次段考的數學成績平均不僅是全年級第一，同時分數還高達90分以上，我也有一陣子還覺得他能讓我們成績這麼好真的是個好老師，不過隨著相處時間越來越長，挨打的次數越來越多，漸漸懷疑這樣的教學模式真的是正確的嗎？而從國一升國二的時候這位班導師因故轉調其它學校，才讓大家原本極壓抑的國中生活稍稍獲得喘息，也讓我能在升學壓力不算小的國中時期還能獲得一段頗開心的上學時光，現在回想起來這位班導師的所作所為真的是為人師表的負面範本，除了數學教學上有些還可以的小技巧外，基本上無法激發出學生學習的興趣與熱忱，盡是教導一些扭曲的價值觀，最後因不名譽的事件而離開學校，讓同事在背後議論紛紛，會有這樣的結局某種程度上也讓人不勝唏噓。

「年少日記」對我而言除了反映華人傳統觀念的沈痾外，也以較體貼的角度看待憂鬱症與自殺的現代問題，在片中許多角色所面臨的問題其實都沒有得到一定的答案，像是鄭老師面對婚姻關係時的退縮，學生們遇到霸凌的應對，鄭中基所飾演的爸爸在遭遇兒子自殺後心境的轉換，「年少日記」都以留白或是埋下伏筆的方式在處理這些情節，除了不會有太多過於說教的成分存在，也能有效地讓節奏加快並讓觀眾腦中有許多思考空間，對我而言最讓人玩味的就是片中鄭中基在兒子自殺後到底有什麼樣的想法，從電影中只隱約覺得他看似影響不大，職業生涯依舊發展得有聲有色（從他生病住院還有助手打理一切就可而知），但面對另一個兒子來探訪時，那種既期待又怕受傷害的神情，還有想到有傑時的愧疚，某種程度也是本片最讓我感到震撼的時候，我也不禁在想，在真實世界中有類似片中際遇的家庭看到這部電影會有什麼樣的想法，若是能從頭來過他們會怎麼做，而不一樣的做法會讓他們離世的親人獲得什麼樣的人生呢？在想著這個問題的當下，對未來可能得面臨的教育與家庭問題也有了更多不同角度的想法了，而這也是「年少日記」所帶給我最有價值的感受了！

還記得今年初在偶然情況下，從報導中得知某部奧斯卡熱門影片捲入了抄襲疑雲，搞得許多人都尷尬不已，也不知道是不是自己沒有特別關注或是片商並未大肆宣傳，「滯留生」這部電影一直到2024奧斯卡頒獎典禮前夕我才略有耳聞，在腦海中一直存在著「這是一部有點爭議的好電影，但是完全不知道是在演什麼」的印象，不光是對「滯留生」這個片名一知半解，就連海報長什麼樣我也是一點印象也沒有，而也就帶著這樣的神秘感前往觀看，出乎意外的是，這樣一部低調到讓人幾乎感到不存在的電影竟然一躍成為個人今年印象最深的電影之一呢！

「滯留生」故事背景建立在1970年代的美國，電影開頭刻意營造的復古風格，原本還想說我是不是看到重新上映的老片，之後畫面轉換到一所高中校園內，看著Paul Giamatti所飾演的歷史老師，被校長斥責評分過於嚴格得罪權貴家長給學校帶來麻煩，技巧性的懲罰他需在聖誕連假期間留守，而之後他在課堂上依舊堅持對學生的成績毫不放水，讓學生哀鴻遍野紛紛在背後咒罵，看似古板不知變通的老師形象，從一開始就引人發噱，而特立獨行的學生Angus腦袋靈活，對看不慣的人事物總是直來直往的當面譏諷，看似難搞且得理不饒人的他也會適時挺身而出幫助他人，校廚Mary是一名剛失去兒子的單親媽媽，有著溫暖內心的她必須和這兩位個性強烈的孤單男子留校共度寒冷寂寞的聖誕節，這三人在聖誕假期間相處所擦撞出來的火花，就成了這部電影的主軸。

在許多電影中稱職扮演綠葉角色的Paul Giamatti，在本片中將那個性古怪，說話時常引經據典挖苦他人，有著深厚的學識，因過去的經歷時常與他人保有距離的歷史老師，在聖誕節與學生及校廚的相處，才讓觀眾發現到他溫暖可愛的一面，時而嚴肅時而風趣，偶然顯露出的落寞神情以及體貼的另一面，將這個看似平凡的人物詮釋出許多不同面向的深度，可將他數十年來累積的深厚演技發揮得淋漓盡致，獲得奧斯卡最佳男主角提名的肯定也是實至名歸。

飾演廚娘的Da'Vine Joy Randolph，詮釋剛承受喪兒之痛的單親媽媽，夾在兩個脾氣火爆隨時都有可能發生衝突的師生間，不時給予溫柔的關懷與恰如其分的提醒，適時的幽默與不肯妥協的霸氣常能有效緩和緊張的氣氛與增進彼此的情感，而流露出喪兒的落寞也是本片相當感人的時刻，在片中有一幕看著她靜靜的說出過去跟兒子相處的點點滴滴，一邊默默流下傷心的淚水，沒有太多激動的反應，卻也能讓觀眾感受到兩人之間深厚的親情，也深深的觸動我的內心，能以此片獲得奧斯卡在內許多影展的最佳女配角獎的確眾望所歸。

而在片中飾演叛逆而性格強烈學生的Dominic Sessa，以他的年紀在本片中飾演高中生其實略顯超齡，原本我還以為片中的學校是一所大學，後來發現是高中的時候還不禁笑了一下，想說這個學生也太糙老了，不過演技倒是可圈可點，那有點玻璃心暴躁易怒，滿嘴髒話亂嗆人的模樣看起來跟一般高中生沒兩樣，但隨著劇情的推進，有時為同學著想挺身而出，面對異性時的害羞，對家庭親情溫暖的渴望，呈現出這個角色的深度，而劇情後段面對原生父親的期待、溫柔與失落時所衍生的複雜情緒也令人揪心不已，劇中隔著車窗落寞望向車外的那一幕也是本片中最讓我難忘的一刻，如此精湛的演技很難想像這竟然是他的第一部長片演出，也不禁讓人期待他未來的發展。

起初在看「再見機器人」時，前半段只覺得這部電影有點無趣，特別是那幾乎無對白的內容以及簡單的線條與構圖，起初還讓我有點招架不住，想說這部電影的高評價是不是過譽了，不過隨著劇情的推進，片中兩個主要角色之間的關係逐漸產生變化，從原本讓人感到有些平凡無趣的快樂溫馨，轉變為世事無常的無奈，最後灑脫的接受一切，彷彿在看自己過往的經歷般那樣的刻骨銘心，最後帶著溫暖卻也有點苦澀的心情離開了戲院。

「再見機器人」故事的開始是一隻獨居的狗狗，因不耐寂寞在看了電視上的廣告後，一時興起買了一台機器人陪伴自己，單純無害的機器人總是體貼的陪伴著狗狗，讓原本寂寥的生活逐漸變得多采多姿，搭配著電影反覆出現的主題歌曲「September」，讓整個故事線看似走向溫馨皆大歡喜的結局，正當我覺得這樣的故事發展有點老掉牙之際，一段看似平凡的插曲讓整個劇情開始有著出乎意料之外的變化，原本形影不離的狗狗與機器人也從此走向不同的生活。

在一次看似平凡不過的假日出遊，一起到海灘遊玩的狗狗與機器人，因為疏忽而導致機器人動彈不得，狗狗即使用盡全身力氣與各種方法也無法將心愛的機器人拖離海灘，而海灘也即將關閉，迫不得已的狗狗只好暫時離開，並不斷找尋各種方法讓機器人與自己團聚，原本以為事情會如預期般順利的狗狗，怎樣也想不到難關是一個接一個來，即使用盡了各種方法，卻還是無法讓機器人回到自己身邊，而機器人心中也是不斷盼望著狗狗能與它相聚，但始終事與願違，隨著時間一天一天過去，從原本的滿懷希望，到最後的不期不待，原本形影不離的狗狗與機器人，從此之後的生活卻像平行線那般不再有交集。

在看到這一段劇情的當下，對於故事走向終於有所不同也開始期待了起來，在色彩明亮的視覺氛圍下，一直覺得最後會走向皆大歡喜的圓滿結局，但編導Pablo Berger的巧思讓這部電影有了讓人意想不到的發展，原本受限於海灘關閉使得狗狗無法進去援救機器人，好不容易等到海灘再次開放，原本躺著的機器人只剩下部分零件再也不見蹤影，心灰意冷的狗狗又回到了過往孤單寂寞的生活，對過去與機器人愉快相處的經驗一直難以忘懷，後續安排了一連串社交活動想重新找回同樣的感覺，正當以為遇到生命中另一個靈魂伴侶時，現實卻又無情地開了一個玩笑，心中以為對的另一半，對方卻沒有相同的感受，而後再次分道揚鑣，機器人對於狗狗而言還是如此的重要無法取代，以至於他最後還是忍不住買了一台有著同樣功能的機器人來作伴，而躺在沙灘中等著營救的機器人，經過漫漫長日的等待始終等不到狗狗到來，等到的只是其他人（或者說是動物）的無情摧殘，從拆下身體的零件，到被丟到資源回收廠當成垃圾報廢，而機器人卻總是平靜的看著一切，自從與狗狗失聯後彷彿靈魂被掏空似的，遇到各種糟糕的狀況始終平靜的看待，種種際遇也讓觀眾看的心疼不已，而最後總算遇到擅長機械的浣熊，讓幾近解體的機器人重獲新生，使得故事又有了另一個轉折點。

在電影中不斷出現狗狗或機器人腦中的幻想畫面，特別是它們分隔兩地無法見面時，兩者在腦中總是幻想團聚之後會發生什麼樣的狀況，而當幻想中的情節看似成真後，畫面又無情的將情境帶回現實中，不斷的挑動觀眾的感觸，直到最後導演依舊樂此不疲的持續使用這樣的敘事方式，當分隔許久的狗狗與機器人在與各自的新伴侶開始新生活後，偶然的機會下機器人竟發現了狗狗的存在，心中的悸動難以平復，腦中盡是想著要如何與狗狗重逢，正當觀眾以為它們即將見面引發更近一步的火花時，導演卻巧妙的讓它們保持一定的距離，帶著有點遺憾卻也溫暖的方式祝福對方並珍惜目前所擁有的當下，在看到這樣的結局時不禁讓我悸動不已，那種看著舊愛離自己而去的遺憾，打從心底祝福對方的成人之美，還有把握當下珍惜現有一切的知足，編導Pablo Berger用這樣內容看似簡單卻極為高明的手法反映出許多觀眾人生的酸甜苦辣，也讓我帶著複雜卻也溫暖又滿足的心情離開戲院，想起當時身旁的觀眾哭得一把鼻涕一把眼淚，這部電影能獲得全世界廣大觀眾的喜愛，也不得不佩服其獨樹一幟的巧思與深意！

在與多年合作的華納兄弟鬧翻中斷合作後，大導演Christopher Nolan投向環球影業的第一部作品「奧本海默」（Oppenheimer）備受全球影迷矚目，尤其在上部作品「天能」（TENET) 在票房及口碑的小小失利，加上上映期間強遇華納兄弟所推出的芭比，讓觀眾不免好奇這名作品幾乎未失手過的名導是不是依舊保有同樣的票房號召力，不過Christopher Nolan的確有他的一套，即使本片改編自同名傳記，但依舊保有極高的娛樂性與緊湊的節奏感，完全沒有這類電影可能有的冗長與沉悶感，在許多方面上可說是為傳記類電影開創了另一種全新的可能性。

「奧本海默」是Christopher Nolan第二次以二次世界大戰為背景所拍攝的電影，且因改編自傳記，某種程度在劇情上並不像其他作品那般具有神秘感，但Christopher Nolan獨特的敘事手法，將故事的時間線分成多段，以交叉時空的方式剖析奧本海默獨特的人生經歷與複雜的人格特質，而極其龐大的資訊量也讓整個故事極為緊湊，不光是對白的密度高，對於當時的歷史背景及人物關係沒有一點認識的觀眾，在融入電影情境上可能也會略顯吃力，即使對這段歷史略有一些瞭解的觀眾，觀影期間也必須得全神貫注，劇情時常在短時間之內因幾段對話或不同的故事線插入而有重大變化，個人印象最深的是電影後段由Jason Clarke所飾演的檢察官Roger Robb那窒息式的質詢，那種壓迫感可一點也不輸給許多商業電影的動作戲，記得第一次看到這幕的時候，時常上一句的內容還沒理解又冒出下一句出來，搞得神經始終處於高度緊繃狀態，就某種程度而言，「奧本海默」可也算是一部極為燒腦的電影呢。

對這樣一部時間長達三小時，沒有任何刺激的動作及驚悚場面，卻依舊讓觀眾感到情緒高度緊繃的電影，除了劇情的緊湊外，相信曾看過這部電影的觀眾一定會當中的音樂很有印象，由Ludwig Göransson為本片所負責的配樂可算是我所看過的電影中數一數二吵的，倒不是使用了許多電吉他或電子樂這類的器樂，而是後製時在音效設定上將音樂放到最大，讓戲院的音響推至最大的力道轟炸觀眾，許多時候倒不是劇情有多麽緊張，而是超大音量配樂所製造出的壓迫感讓觀眾整個坐立難安，有時甚至連耳膜都被震到難受，對我而言其實並不是太令人感到舒適的體驗，至於哪段配樂的旋律令我印象深刻倒也說不出來，不得不提及之前Christipher Nolan的配樂搭檔Hans Zimmer，其作品不愧他大師的名號，有時吵歸吵，但總是會出現幾筆讓人難忘的經典旋律，也讓我不禁幻想要是這部電影換成Hans Zimmer作曲不知道會寫出什麼樣的作品。

除了吵鬧到嚇人的音樂外，Christipher Nolan近年來作品的標準配備就是拍攝篇幅時常為同業之最的IMAX攝影，即使本片沒有任何驚險或特殊的特技場面，但Christipher Nolan依舊使用他鍾愛的IMAX攝影機拍攝大部分的戲份，起初覺得這樣的拍攝方式似乎沒什麼必要，畢竟這樣的傳記電影也很難看到什麼驚人的特效場面，但實際上看了電影後覺得這樣的視覺感受還是有不少加分效果，那種整個眼球都被螢幕鎖包覆著的臨場感，還有戲院級喇叭的力道是家庭戲院永遠無法比擬的，而這也是Christipher Nolan這樣的業界人士所不斷堅持的戲院體驗，也是IMAX這種攝影技術的獨特魅力所在。

除了技術的呈現外，在演員的陣容上可說是近年電影中除了漫威英雄系列電影外最為豪華的，除了主角Cillian Murphy外，包括Emily Blunt、Robert Downet.Jr、Jason Clarke、Kenneth Branagh、 Josh Hartnett、Matt Damon、Rami Malek、Casey Affleck、Gary Oldman這些在其他電影中經常擔任重要角色的知名演員皆在片中亮相，雖然常常有人詬病Christipher Nolan的電影常常因剪輯以及故事安排的方式讓這些演員的演技深度難以展現，但對我個人而言，看這些演員在同一部電影飆戲還是讓人感到相當難忘，特別是Robert Downet.Jr所飾演的Lewis Strauss一角，將其城府深沈，追逐權力的狠勁，與面對奧本海默時既欽佩又厭惡的複雜情緒詮釋的無懈可擊，可說是離開鋼鐵人的形象後最為精采的演出，若是獲得明年奧斯卡最佳男配角的提名也不會是太意外的事。

在2023暑期檔開始之際，各家片商紛紛上映各自大作瞄準這個重點市場準備大展身手，從瑪利歐兄弟電影版、已見疲態的玩命關頭X、星際異攻隊3、變形金剛.....，可以看得出來過往因疫情而有所影響的暑期電影市場，一部又一部商業大片的推出有著漸漸回到過去熱鬧的跡象，在這之中有一部相較之下較為低調的日本動畫電影「藍色巨星」正悄悄地擄獲一群觀眾的心，獲得了相當高的評價，在眾多大片中倒也殺出一片天，也是這次暑期檔次中讓人格外感到驚喜的精彩作品。

改編自日本暢銷漫畫的「藍色巨星」，故事是以目前相對冷門的爵士樂為主體，主角宮本大是個對吹奏薩克斯風有著無可救藥熱情與驚人天賦的樂手，一心一意想在爵士樂世界發光發熱，有著組團夢想的他，在前往東京後遇上了天才鋼琴手澤邊雪祈，搭配上同住的同學並且也是爵士鼓初學者的玉田俊二，一同組成JASS樂團，從默默無名到發光發熱的過程，雖然故事結構相當簡單，後續發展也一如其它漫畫般的熱血正面，但過程中各種精心安排的細節，對於每個角色的性格鋪陳，還有別出心裁的各種構圖與剪輯，加上作曲家上原廣美的精彩音樂，相較起同檔期的商業電影可說是毫不遜色且誠意十足，不僅讓觀眾得以在電影中體驗爵士樂的美好，劇中各個角色間的情誼更是令人動容。

在故事中的第一主角當然是那性格單純總是衝勁十足的宮本大了，那對爵士樂無可救藥的熱情透過他的吹奏，讓觀眾很難不受到他的影響而對爵士樂產生興趣，而另一個舉足輕重的角色澤邊雪祈，則是有著較為世故與複雜的性格，有著高超的彈琴技藝並且擁有作曲能力，也有著出人頭地的野心，但卻也因此而自我設限，導致自身才能無法像宮本那樣不斷突破，也是故事中最有深度而耐人尋味的角色，而JASS樂團中最不起眼的初學者玉田俊二，從原本找不到人生方向，因緣際會下抱著姑且一試的心態加入樂團，從湊人數的邊緣人，一步一步努力成為樂團中不可或缺的存在，雖然戲分相對少很多，但對我而言卻是最有好感的角色，看著他從什麼都不會的菜鳥，在一開始的表演中不斷出錯，光是要跟上其他兩位團員就很勉強，為了不想拖累團員而不斷努力精進自己，到後來不僅獲得團員肯定，也成為樂團中重要的一員，看著劇中一位從JASS初創期間就聽他們演出就注意到玉田的樂迷，看到玉田不斷的成長而感到欣慰與驕傲，身為觀眾的我也有著同樣的感受，影片後段聽到他獨奏時那華麗炫目的鼓聲，竟然讓我感動到起雞皮疙瘩，除了音樂出色，那精彩的人物敘述才是這個故事如此迷人的地方。

提到以爵士樂為主題的電影，讓我第一個聯想到的就是導演Damien Chazelle所執導過的「進擊的鼓手」（Whiplash）與「樂來樂愛你」(La La Land）了，兩部電影可說是近年來最能向觀眾傳達爵士樂美妙之處的經典作品了，在「進擊的鼓手」中除了看見主角Neiman對於演奏爵士鼓近乎偏激的執著，還有嚴格到近乎變態的導師Fletcher在教學與指揮上的專業與嚴厲，即使劇情內容的壓迫感讓人如坐針氈，但從兩個角色對於爵士樂近乎癡迷的熱愛與偏執，還有不時出現的爵士樂知識，在當時可讓我這樣的外行人大開眼界外，也第一次感受到爵士樂的魅力，而到了「樂來樂愛你」，雖然不像「進擊的鼓手」那樣有著硬派的學術風格，但支支動聽的歌曲與配樂，搭配上男主角對於爵士樂演奏的熱情，還是很容易影片中的氣氛所感染，進而體會爵士樂的美好，而導演Damien Chazelle對於爵士樂的喜愛也透過這兩部電影傳達給廣大的觀眾，似乎也達成了電影中延續爵士樂生命的使命，而在觀看「藍色巨星」的同時，我也不禁好奇導演Damien Chazelle與配樂Damien Chazelle對於這部電影會有什麼看法，就以爵士樂為主題的電影，這三部電影在我心中可都是有舉足輕重的地位，不僅擁有出色的故事也有動聽的音樂，而說到音樂，「藍色巨星」的作曲者上原廣美為本片所譜寫的音樂可以算是這三部電影中最為道地的爵士樂，有著雄厚學院派基礎與葛萊美獎加持的她，的確也是本片在作曲家選擇上的最佳人選，不僅要將漫畫中那只能意會的音樂轉成實際的音符，而且在作曲細節上也馬虎不得（像是玉田在初學者階段時的生澀鼓聲，澤邊只能以單手彈奏的鋼琴聲），兼具爵士樂特色與故事情節的需求，可算是這部電影如此精彩的幕後大功臣，除此之外，整部電影在作畫與剪輯上也都有獨到之處，有如「進擊的鼓手」中那針對樂手演奏時的特寫與剪接，讓演奏時的場景帶有特殊的律動感與氛圍，不管在視覺或聽覺都讓觀眾有截然不同的體驗，搭配上精彩的故事敘述，也難怪「藍色巨星」能在影迷間獲得如此高的評價了！

前幾天有關PLG與T1聯盟傳出合併的流言，對像我這種從PLG開始第一年就關注的籃球迷而言，並不是件太意外的消息，T1從一開始成立就被冠上蹭熱度的形象，而實際經營上，不管從入場人數或是電視收視率及網路熱度都與PLG有段差距，雖然在魔獸加盟雲豹之初看起來有股急起直追的態勢，但無奈的是雲豹其他本土球員的素質和聯盟其它球隊的球員有著明顯的落差，即使魔獸與後來加盟的艾夫伯再神勇，也有著孤掌難鳴的無奈，也連帶的後續熱度與票房成績並不像當初所預期的熱烈，反觀PLG在年初林書豪加盟鋼鐵人後，拼勁十足的他帶著其他球員一同成長，使得當初穩居聯盟墊底的戰績一飛沖天，到季末甚至差一點就進入季後賽，這期間也帶動聯盟票房的高度成長與話題熱度，兩聯盟原本算是有點拉近的人氣，到後頭又有拉開的趨勢，相信明眼的人都看得出來兩個聯盟遲早會合併，畢竟台灣這個小市場要容納12支球隊真的是有些困難，到最後砍到剩十隊或是八隊也都不會讓人太意外，不過在此我倒是有個不同的看法，如果兩聯盟以合作的形式取代合併會是如何呢？

以個人的想法，兩聯盟可以參考日本職棒交流賽的方式進行合作，各自保留自己的制度參與比賽，像是雙方在洋將使用規則上的不同，可在各自主場比賽時採用自己聯盟的洋將使用規則，像是第四節PLG的球隊只能使用一名洋將，而T1則沒有限制，相信這樣的差異也會讓比賽多了不少變數。或者是雙方商量好以哪種制度下打也可以，不過就個人而言，我比較偏愛以不同制度對戰交流，感覺會讓比賽內容充滿各種想像空間。

在賽程上，賽季以兩聯盟每隊打42場，同聯盟球隊互打6場主客各三場，總計30場，不同聯盟互相對戰兩場，主客各一場，總計12場，累計42場，在季後賽時，各自聯盟的前四強進季後賽，最後以雙方各自的冠軍球隊進行對戰爭取台灣冠軍。

這兩年來可以發現雖然PLG在人氣上可說是勝過T1不少，但實力上倒不一定勝過T1，在去年的跨聯盟交流賽中就可看得出來，特別是國際賽中T1的本土選手表現不僅不差，甚至是中華隊攻守的重要支柱，也因此看這兩個聯盟的球隊對戰的確會讓人好奇會擦出什麼火花，想想看中信特攻對上新北國王，或是高雄海神對上高雄鋼鐵人這類的德比大戰，就算是台啤、雲豹、太陽這三支經營有些乏力的球隊對上PLG也是很有看點，兩聯盟互相合作比起血淋淋的合併，也許更能刺激出更精彩的火花也不一定，也期待兩聯盟不管是合併或合作，都能以讓球迷球團都滿意的方式進行下去，形成雙贏的局面才是大家所樂見的。

回憶起第一次在學校圖書館裡觀看「悲情城市」時，除了讓當時的我意外看到入迷的劇情與陳松勇的演出外，最讓我印象深刻的就是那由SENS所製作的配樂了，即使這些原著音樂在電影中出現的時間相當有限，但那相對電影的時空背景有些不太符合的電子樂風格，卻有著一股獨特的韻味，而且在旋律上也相當優美動聽，讓我一聽就忘不了，也在那當時，「悲情城市」的原聲帶就成為我個人收藏的目標之一了！

在目前逐漸萎縮的唱片市場上，「悲情城市」算得上是一張長青的專輯，從發行以來30多年幾乎都能在唱片行看到它的芳蹤，而目前在唱片行能看到的有分台版與日版兩種專輯，曲目長度都不是太長，雖然同樣都是七首曲子，但內容卻有些不相同，以下就以此分別介紹：

台版TRACK 1.”悲情城市（序曲）CITY OF SADNESS (Opening Theme)”(2’18)，TRACK 7.”悲情城市（主題曲）CITY OF SADNESS (Main Theme)”(4’39)也是最為許多人知的主題音樂，以電子樂為主體，搭配上不算太複雜的編曲，帶著東方氣質簡短而重複著的旋律，TRACK 1.也是電影開場時所出現的第一段原著音樂，背景是日本宣布投降後結束在台灣的統治，島上人民莫不滿心期待新時代的到來，搭配上劇中由陳松勇所飾演的林文雄甫喜獲麟兒，音樂氛圍中讓我感到明亮的氣質，而同樣的旋律也同樣出現在片尾時，TRACK 7.中的音樂彷彿在訴說劇中林家在遭遇許多變故後，重新迎向未來的堅韌生命力，而不只是本原聲帶，相信這也同樣是台灣電影中最具代表性的電影主題旋律之一。

在日版“TRACK 1.悲情城市～A CITY OF SADNESS“(7’39)，有著相似的曲名，但相較於台版的TRACK 1與TRACK 7長度來的長，在前兩分鐘基本上架構是一樣的，但日版在之後的部分又再增加了一些音樂內容，多了部分鋼琴與貝斯的獨奏，也都有著極高的聆聽性，就個人而言這三首都是非常出色的曲目，而日版的長度由於長達七分鐘以上，整體內容更加豐富，就個人而言是更喜歡這樣的編輯模式。

台日版本的專輯中都各有兩首以片中女主角寬美為命名的曲子，也同樣都是以一首極短一首較長的形式出現在專輯內，日版TRACK 2.”HIROMI~Flute Solo“(0’34)，台版TRACK 2.“寬美之主題 1Theme of “HIROMI”1”(0’49)分別以長笛及電子合成樂演奏出這個有著濃濃日本風格的主題旋律，而日版TRACK5.“HIROMIのテェマ”(6’24)與台版TRACK.4 “寬美之主題 2 Theme of “HIROMI”2”(3’51)，則是電影中寬美第一次出現在螢幕中時的背景音樂，由辛樹芬所飾演的寬美前往九份的路上，搭配山景與遠方的海景，這段旋律聽來有種前往遠方進行未知旅程的壯闊感，如同劇中角色隻身前往九份，雖然不安但也帶著期待與興奮的心情，而作為搭配電影中九份獨特景色的背景音樂更是有著獨特韻味，而也因為寬美這樣有著濃濃日本味的名字，整體旋律也是有著強烈的日本風格，而台版與日版兩首曲子的架構大致上也是相同，差別在於台版幾乎是由電子合成樂所組成，而日版則是多了長笛與敲擊樂器等真實樂器的演出，就如同“TRACK 1.”悲情城市～A CITY OF SADNESS”，個人也是更喜歡日版曲目的演出。

去年轉戰後援後的陳冠宇，似乎找回了當初在日職穩定表現的手感，連續24又2/3局的投球局數中沒有被對手拿下任何一分的自責分，堪稱鬼神般的表現，這樣的表現也延續到台灣大賽中，三場出賽4又2/3的投球局數也沒有失掉任何一分，也讓他入選了2023WBC經典賽的國手，不過表現倒是沒像季賽中那麼殺就是，出賽三場共兩局的投球局數中，雖然只丟了一分自責分，但竟丟了三次四死球並且被打出了三支安打，被上壘率與安打率都偏高，看得出來他的速球與變化球對國外高階聯盟的打者並沒有太強的威脅性，但在台灣隊那孱弱的投手群中，還算少數能用得上的後援戰力，而就在去年投出那出色的後援成績後，今年樂天教練團似乎也有了將他改為勝利組牛棚的打算。

今年(2023)年的第一場比賽，對上兄弟就以一局無失分的表現，成功獲得一次中繼成功，也不知道是不是教練團覺得很好用的關係，竟然在接下來的三場比賽中都能看到他與豪勁上場，就在4/5號的比賽中被申皓瑋幹了一隻兩分砲，也讓陳冠宇在連續27又1/3局後首次丟掉自責分，讓原本以為能夠連續這鬼神紀錄的我失望不已，也不禁對桃猿教練團的調度深感懷疑與不解，明明隊上還有其他還不錯的投手能上場，為何要冒著讓選手疲勞與受傷的風險連續出賽，特別是4/4號對富邦的比賽，明明在8局下有著5分的領先，偏偏還是用上之前已連續出賽的陳冠宇與豪勁，讓豪勁最後還被幹了一隻兩分砲，而即使陳冠宇沒丟分，在隔天他們兩個又被派上場，看得出兩人球威明顯下滑，也接連掉分，讓我不進聯想雙貓教練在調度思維上是否還卡在WBC中無法自拔，在短期賽中這樣押出最強後援守住局面合情合理，但面對這樣長時間的季賽，這樣的調度只會加速投手的疲勞程度，最終可能導致掉分甚至受傷的局面，要是投手深度不夠甚至可能導致整體調度崩盤的慘況，只能說這雙貓教練要是在今年無法奪下總冠軍，這樣詭異的調度模式大概也只會出現在這一季了吧.....

在數年前上映的紀錄片「電影配樂傳奇」（Score: A Film Music Documentary），記錄了電影發明百年以來，配樂在電影工業中的發展過程，從一開始簡單的音效、播放現場的樂團伴奏，一路轉變成樂團演奏錄音後成為背景音樂，進而成為當今觀眾所熟悉的樣貌，在當今電影中配樂已是不可或缺的一環，而在許多作曲家的創意與努力下，電影配樂也因不同的電影類型而有著各式各樣的風格，不管是傳統的交響管弦樂，近代的電子樂，融入各地風土民情的傳統器樂，簡單的鋼琴或吉他和弦，或是極為前衛的實驗音樂，各種截然不同風格的音樂都很有可能出現在電影配樂中，而更有甚者，在某些極具才華的作曲家手上更能將這些迥然不同的音樂巧妙的融合，變成獨特而嶄新的精彩曲目，在當時第一次看到這部紀錄片時簡直讓我興奮得全身顫抖，對從小就聽電影配樂長大成為死忠樂迷的我而言，看著那些崇拜許久的作曲家出現在大螢幕上侃侃而論他們對於配樂的看法與過去的工作經驗，搭配上那些精彩絕倫的經典音樂，也是當年最愉快的觀影體驗之一，而「配樂大師顏尼歐」（Ennio: The Maestro）這部紀錄片也絕對是我這樣的配樂迷絕不會錯過的電影之一了。

「配樂大師顏尼歐」整部電影鉅細彌遺的述說Ennio Morricone自童年初次接觸樂器開始，從原本只是維持家計的演出，因生活窮困曾一度想當醫生以便有份穩定收入養家，卻被父親勸說下繼續堅持音樂這條路，到了成長求學階段學習作曲技巧後，原本目標是成為古典樂界的作曲家，畢業後卻又再次為了生計擔任流行歌曲與廣告配樂編曲，也在這段大量工作的期間漸漸發展出自己獨有的音樂特色，當年許多的流行歌曲經由他的編曲後，變得獨具特色成為暢銷熱門金曲，片中的受訪者（恕我忘了是誰，不過絕對是鼎鼎有名的大人物）提到過去流行歌的編曲就僅有伴奏的功能，但Ennio Morricone的編曲卻有著獨特的生命力，不管是特別的節奏聲響，或是優美動人的和弦，除了耳目一新外，也為歌曲本身大大加分，而這樣的成功也讓他獲得許多的工作機會，也讓他開始接觸為電影作曲的機會，而之後的發展就如同大家所看到的：Ennio Morricone成為了當代最具影響力與聲譽的電影配樂家之一！

在片中採訪了無數位曾和Ennio Morricone合作過的夥伴與親友們，在許多訪談中，可以看出當初Ennio Morricone對於為流行樂與電影作曲這件事其實在心中有某種程度的抗拒與掙扎，原本初心是想當個古典樂界作曲家的他，因生計必須接下許多商業作品的作曲工作，而這也讓他受到當初音樂學院的同學與師長的排擠與輕視，即使他所寫出的音樂幾乎讓世人朗朗上口耳熟能詳的流傳著，但依舊被認為這些音樂稱不上名門正派的“正統音樂”，讓他多年來帶著自卑的心理默默工作著，心中也有著總有一天要復仇的心態在電影音樂的領域持續努力著，直到創作「四海兄弟」（Once Upon A Time In America)後，那優美的音樂才讓所有學院派的音樂家真正折服並認同他的作曲才華，而似乎也從那時刻開始，Ennio Morricone才打從心底的認同電影配樂這樣的工作，還記得片中他曾經說過這麼一段話「50年代的時候，我說要是做到70年就不幹了，70年的時候我說做到80年就不做了，80年的時候我說做到90年就不做了，而現在我什麼都不敢說了」，看到這一幕的時候，所有的觀眾都忍不住會心一笑，看著他以80歲以上的高齡後持續創作外也舉辦各樣大型演奏會，在舞台上迎接觀眾熱烈的歡呼聲宛如搖滾樂巨星般，看著他神采奕奕的模樣想必也相當樂在其中，也讓他幾乎像是沒有退休似的持續進行他的音樂工作，帶給樂迷一次又一次的音樂饗宴。

本紀錄片的導演Giuseppe Tornatore，也是新天堂樂園與海上鋼琴師的導演，同時也與Ennio Morricone有著長年的合作關係，相信曾看過這兩部電影的觀眾一定對當中的音樂印象深刻，這同時也是Ennio Morricone在近代最具代表性的配樂作品，在日後所舉辦的各式音樂會總少不了這兩部作品的曲子，而也因這樣的關係，導演Giuseppe Tornatore將「配樂大師顏尼歐」這樣的紀錄片用了許多電影的戲劇化手法，像是開頭Ennio Morricone大師出場時各種運鏡就像是在拍攝一部劇情片似的，除了Ennio Morricone舉手投足間都有著電影巨星的架式外，每個鏡頭的構圖與剪接都經過精心設計，每一幕都能看出導演對於大師的敬愛，即使片長是有點嚇人的兩個半小時，但是在有故事性的編排設計之下，搭配上那些經典曲目與電影片段，即使觀看當下的我膀胱快爆炸，但還是期待著電影能持續播放著，對於我這樣的樂迷而言，「配樂大師顏尼歐」整體內容可說是超乎預期得精彩啊！

還記得多年前，當我還在當兵的時候，Ennio Morricone首次造訪台灣，在台北小巨蛋舉辦演奏會，我因軍人身份還曾一度猶豫是否要去購票朝聖（因為擔心無法及時回營），而在幸運巧合之下，我賺到了半天的榮譽假，也讓我得以在星期日的晚上欣賞這次的演出，而這也是我人生第一次前往小巨蛋欣賞這樣的大型演出，同時也是人生第一次親自蒞臨這種等級的配樂大師音樂會，雖然在當時對Ennio Morricone的音樂還稱不上極為熟悉（以他生涯數百部電影配樂與其他音樂創作，要全部聽過也是極為困難的事），但聽到新天堂樂園、教會、四海兄弟等流傳度極高的配樂，還是讓我感動到全身起雞皮疙瘩，看著大師精神飽滿的揮舞著手中的指揮棒指揮著樂團演奏，會後接受大家熱烈歡呼的畫面直到現在還是讓我難以忘懷，早已是退休年紀的他人生依舊如此精彩，可也為我在心中描繪出一個生活的典範，若是能從事著自己喜愛的工作，就算不用退休又何妨，而片中所出現的另一位大師John Williams亦是如此，高齡90的他依舊活躍的出現在音樂會中並持續的為電影譜曲，退而不休的精彩人生也是不遑多讓，而這也許是這部電影除了精彩的音樂外，另一個讓我深受感動的元素了！

前幾天看到陳冠宇與羅德前隊友聊天的影片，一方面看到他與眾多羅德選手是如此熟絡而感到驚訝外，就連未來極可能挑戰大聯盟的大物投手佐佐木朗希都與他都像是哥兒們般的聊天，也可以看出陳冠宇之前在羅德的好人緣，在影片中看到他自嘲是樂天第一指名但是投得不太好，讓球迷很不爽，聊天過程中充滿了快活的空氣，一方面覺得好笑，一方面也覺得有點小小悲哀，回想起2021年陳冠宇剛加入中職時的成績簡直慘不忍睹，六場先發十五場後援，總計一勝五敗，48又1/3的投球局數投手防禦率高達6.52，以70萬月薪的身價來說也理所當然的被球迷當成抨擊的目標，除了讓不少球迷質疑他的身手外，也不禁令人好奇在日本投球成績其實還算不錯的他，為何回到水準較低的台灣會有如此慘澹的表現。

而2022年一開始的六場先發內容也相當不理想，31局的投球局數，只有一勝一敗，ERA:5.52 ERA+:60.72的淒慘成績，也讓他失去了先發位置，改從中繼後援出發，而說也奇怪，當他轉成之前在羅德所熟悉的後援工作，整個成績簡直殺翻天，我在看到資料後也嚇一跳，在24又2/3局的投球局數中，那防禦率竟然是完美的0，唯一一場失分是在8/13號對兄弟時所丟的一分非自責分，而細看這些比賽的內容，這17場中繼後援的比賽中，八場是在比數落後時上場，一場是延長賽平手時上場，八場是領先時上場，而這八場領先時上場的比賽中，只有7/27對戰統一四局上半領先一分時中繼拿到勝投，還有9/18同樣對戰統一時領先兩分時接替曾仁和獲得中繼點，而他整季帳面成績只有兩勝一敗一中繼這樣看似不起眼的成績，也多少和他上場的時刻有所關係，當初連續兩場先發被打爆後，總教練曾豪駒讓他從以前最熟悉的牛棚出發，而這一換也似乎找到了他的使用說明書，從此刻開始便一路沒有丟過任何一分自責分直到球季結束，甚至到了總冠軍賽也沒有丟掉任何一分，可說是完美展現了「後援賽揚先發賽羚羊」的投球特質，也讓人不禁好奇在全新的賽季中，桃猿將會如何定位陳冠宇的位置。

上場情況

對手

備註